年少时偏爱素净，总觉得黑白灰是高级的底色，是不加修饰的纯粹。那时的书包是浅蓝的，日记本的封面是莫兰迪的配色。在我们眼里，艳丽的颜色是喧嚣的、扎眼的，是与青春的澄澈格格不入的存在，克制的、淡雅的色调，才配得上少年心事的清简与悠长。

随着年岁渐长，我们开始在生活的褶皱里，读懂艳丽色彩的深意。曾经避之不及的正红、明黄、宝蓝，也渐渐在视野里鲜活起来。

而在婴幼儿的世界里，则是更加简单而纯粹的，没有复杂的审美滤镜，也没有“艳俗”“张扬”的标签束缚。在她们眼中，高纯度的色彩等同于鲜活与有趣，是能带来感官愉悦的直接刺激。

颜色，从来不是单纯的“好看”或“土气”。它像一条隐形的时光线，连着我们身体当下的感受、记忆碎片与不同的生活经验。婴儿之所以被鲜亮颜色吸引，不是因为他们“懂美”，而是感知尚未被文化滤过。

大体上，我国中青年群体的色彩审美，普遍偏好克制与和谐，一般不会偏向于特别张扬和夸张的色彩，这往往是内心里留着未被消耗的未来与想象；年长者多愿意拥抱艳丽，往往是经历后重新选择以色彩慰藉生活的勇气（鲜艳的颜色也预示着生机勃勃）；甚至，当下所处的心境，也会左右人们对色彩审美的倾向——颜色，因此成为拥有不同人生阶段，不同心态的情绪注脚。

而这种心态的差异延伸到花艺设计上，你会发现两件事：

一，花艺色彩不是审美定律，而是对话的方式：配色并非简单到一定使用哪套理论，便是高级；使用伊登色环，还是NCS自然配色法，或是其他法则先决条件是：你在跟谁对话、想唤起什么记忆和情绪，就该用怎样的色彩配置法则；

二，单色（及同色系）并非一定高级，鲜艳缤纷亦非肯定庸俗——高级，是场境与意图的匹配，是色彩与植材、光线和距离的综合表现。

不同的经历造就了不同的心态，体现出不同的审美偏好（不单单指色彩，亦包含选材、及造型设计），我想这里没有对错美丑，都能帮助花艺设计者理解当下的自身感受，并可共情到一部分同频的观众，我们应抱有开放和交流的态度来探讨和尊重，这也是十分有意义的。

从花藝设计的实务出发，有三点比“美不美”更值得我们思考：

一是受众与场景。

婚礼的主角、聚会派对、商业陈设，艺术展览等等，每类受众的色彩容忍与情绪期待不同。把目标受众当作第一条设计原则，能让配色更有说服力。

二是记忆与联想。

花藝色彩常与特定记忆绑在一起——家乡的田野（譬如，植生性设计）、童年的兴趣（手采或多层次、自然系架构）、一次远行的海面与山野（悬垂式设计，雕塑式、自由站立式），或是聚会的主题（装饰性设计，古典式、人体花饰等等）。

色彩设计不是从零出发，理解受众可能的联想，会让一束花瞬间变得温暖。

三是材料与距离的调控。

同一抹颜色的，在远处读作轮廓、近处读作纹理。

光泽叶片、瓷质花瓣、哑光干花，材料的排列，调和着色彩，这些物性的组合会改写颜色的情绪——传播时代尤其要把“摄影后效果”纳入配色考量。

在技术层面，亦有几条实用法则推荐：

活用三阶配色的逻辑：先定主色（占比大，定基调）、次配副色（支持主色，制造层次）、再来点缀（采用小面积高饱和或对比色等方式，用于吸睛或引导视线）。

饱和度与明度按需分配：譬如，在多数年轻社群中，简约不复杂的色彩搭配如同色系，或白、暗咖、暗红色等花艺配色更易被标记为“高级感”，因其用色的统一性，更容易凸显造型和质感；而送花礼、主题聚会、活动现场、或节庆，则宜提高饱和度，并丰富明度，以提升场景能量。

用材决定“色感调节”：同一色系，亮光材质放大饱和感，绒面或干材则压低鲜艳度，使其更温和、更耐看。

文化敏感度：颜色在不同文化里可能带不同象征，设计也要尊重场域与受众的文化情境。

真正的设计力，不在于你能熟练掌握多少种配色法则，而在于能为不同人群、不同时刻读出哪一种色彩最合时宜。

在花藝的配色中，我们可以照见自己的成长。最动人的颜色，从来不是静止的风景，而是藏在色彩里的，那份历经千帆后，依然蓬勃的、热忱的生命力。